La música de América Latina es tan diversa como las múltiples etnias y lenguas que se hablan en el continente. Todas y cada una de las regiones, de México a Puerto Rico, de Cuba a Colombia, han dado al mundo un amplio abanico de ritmos y emociones para celebrar la vida y experimentar el dolor. Esta guía de audición es una introducción a un tesoro muy rico y complejo de géneros musicales.

Clásico

CUÁL ES LA HISTORIA: Esta forma de arte latinoamericana nos llena de orgullo y, desde el principio, siempre se ha expandido para abarcar a más y más gente con el paso del tiempo. La música es como un árbol: tiene muchas ramas diferentes, pero todas conectan con las mismas raíces. Nos une tanto a la gente del pasado antiguo como a la riqueza de la tierra que habitaron y a la gente del futuro.

Cuando escuchas la música de Revueltas, de Villa-Lobos, de Ginastera, de Ortiz, ahí hay un alma. Se trata de un nacionalismo continental debido a nuestra historia hispánica. Los aztecas, los mayas, los incas siguen vivos en la música. Es como si nuestra música estuviera dentro de la tierra y ambas fueran una expresión de lo que somos. Se puede ver, oír, saborear y oler toda nuestra América.

Alberto Ginastera - Tantos compositores de la época de Ginastera se centraban en la tierra y rendían homenaje a la tierra de la que procedían. Su obra más famosa, Cuatro Danzas de Estancia, conecta directamente a la gente con la tierra.

Heitor Villa-Lobos - La música de Villa-Lobos es muy rica. Era un genio. Su Bachianas Brasileiras nº 2 tiene una sensualidad tan brasileña, y toda la pieza es tan amazónica. Tiene un alma latina muy profunda que procede de la selva tropical.

Silvestre Revueltas - A menudo se considera a Revueltas el Stravinsky latinoamericano: su música emite un tipo de nacionalismo que ha llegado a simbolizar no sólo el México natal de Revueltas, sino todo el continente.

Gabriela Ortiz - Gabriela Ortiz es una de las artistas más importantes y sugerentes del México moderno. Como muchos de los grandes compositores que la precedieron, escribe maravillosamente sobre nuestra conexión con la tierra. Su música es un gran desafío, que muestra los ritmos latinoamericanos con los que podemos conectar inmediatamente.

Cumbia

CUÁL ES LA HISTORIA: La cumbia nació en torno a un lugar llamado Los Montes de María, una región situada al oeste del río Magdalena y cerca de la costa caribeña de Colombia. A partir de mediados de los años 60, la cumbia se extendió por toda América Latina y los DJ y las emisoras de radio empezaron a pinchar y promocionar lo que pronto se convirtió en el estilo de baile más popular del continente.

CÓMO SUENA: La música es una confluencia de elementos indígenas, africanos y españoles. Los elementos indígenas y melódicos los aportan las flautas de dos metros de largo llamadas gaita hembra y gaita macho; la flauta de millo, una flauta pequeña que se toca de lado; y dos calabazas pequeñas llamadas maracas. Los elementos africanos son los tambores, que llevan el ritmo: tambora, un gran tambor colocado sobre un soporte; y dos tambores verticales más pequeños llamados tambor alegre y llamador. Los componentes españoles son las letras. Los mejores grupos de cumbia de México modificaron la instrumentación, añadiendo una batería, instrumentos eléctricos e instrumentos de viento. En Perú, los músicos también modificaron la instrumentación, añadiendo sabores psicodélicos y guitarras surf. La mejor forma de describir la cumbia es con el sonido de las maracas, el raspador llamado guacharaca o guiro: shoo-coo-shoo-coo-shoo.

QUIÉN LA TOCA: Uno de los primeros grupos de cumbia es Los Gaiteros de San Jacinto. El rey indiscutible del acordeón y la cumbia es Andrés Landero, antiguo miembro de Los Gaiteros, que aprendió la cumbia con las gaitas y más tarde trasladó ese sonido, su armonía y su melodía al acordeón diatónico.

- Entre los principales artistas de cumbia de Colombia figuran: Los Gaiteros de San Jacinto, el rey del acordeón Andrés Landero, la cantante Totó La Momposina, el compositor José Barros y el director de orquesta Lucho Bermúdez. Es importante mencionar que el clarinetista Lucho Bermúdez creó un estilo de cumbia inspirado en el sonido de la big band de su héroe, Benny Goodman.

- Algunos de los grupos más importantes de México son Mike Laure, Acapulco Tropical, Rigo Tovar, Chico Ché y la Crisis, y muchos más.

- Entre las principales bandas peruanas se encuentran: Los Mirlos, Los Hijos del Sol, Los Destellos, Juaneco y su Combo, Manzanita y su Combo, y Chacalón y La Nueva Crema.

Salsa

CUÁL ES LA HISTORIA: A finales de los 60 y principios de los 70, un numeroso grupo de músicos de Cuba, Puerto Rico y la República Dominicana, residentes en el Spanish Harlem y el Bronx neoyorquinos, sentaron las bases de un estilo basado en ritmos de baile de sus países.

CÓMO SUENA: La salsa tenía todos los elementos mezclados previamente en el Nueva York de los años 40: un sonido de big band y ritmos afrolatinos forjados por gigantes como Frank Grillo "Machito", Mario Bauzá, Tito Rodríguez y Tito Puente, además de Dizzy Gillespie y el percusionista cubano Chano Pozo. La salsa se convirtió en la música más original creada por la mezcla de demografía y sonido en Estados Unidos. El escritor venezolano César Miguel Rondón, autor de El Libro de laSalsa, llamó al género "la manifestación totalizadora del Caribe de nuestro tiempo". Como estilo totalizador, la salsa tiene elementos de géneros musicales cubanos, como el son, el mambo, el cha-chá, la guajira y el bolero, y puede incorporar elementos de ritmos tradicionales puertorriqueños de la música bomba, plena y jíbaro, así como del merengue dominicano.

QUIÉN LA PONE: Fania Records es sinónimo de salsa y de la mayoría de los músicos asociados al estilo. La lista es larga y variada, desde cantantes a directores de orquesta. Entre las principales figuras están la reina Celia Cruz, el flautista Johnny Pacheco (fundador de Fania Records), los cantantes Héctor Lavoe e Ismael Rivera, el trombonista y arreglista Willie Colón y el cantante Rubén Blades, cuyo álbum Siembra (1978) tuvo el mayor éxito del género, "Pedro Navaja".

Reggaetón

¿CUÁL ES LA HISTORIA? El reggaetón comenzó como un estilo llamado changa en Panamá a mediados o finales de los años ochenta. El estilo viajó a Puerto Rico, donde se transformó y surgió como reggaetón. En la década de 1990, la música llegó a Medellín, Colombia, con el telón de fondo de una fuerte cultura de barrio callejera.

CÓMO SUENA: El reggaetón es una fusión de varios ritmos caribeños, como el reggae, el dancehall y el rap, además de la salsa y la música pop. En sus inicios, comenzó como un estilo más artesanal y de bajo presupuesto, e intentaba transmitir el deseo sexual, el baile íntimo y la narración callejera. El sonido del reggaetón se caracteriza por un ritmo palpitante que engancha a la persona a moverse y bailar sin parar. La intención original de la música no ha cambiado: la idea es mover el cuerpo en la intimidad de la discoteca, aumentando el deseo. Es significativo señalar que, contrariamente a lo que la mayoría de la gente pueda pensar, las mujeres también han encontrado un espacio para bailar y moverse como quieran, sin resentimientos ni miedos. No hay club de baile que escape o evada este género.

QUIÉN LO TOCA: Los principales artistas de reggaetón de Puerto Rico son Bad Bunny, Daddy Yankee, Ivy Queen, Tego Calderón y Don Omar. Las principales figuras de Colombia son Karol G. Maluma y J. Balvin. El colombiano J. Balvin lo reinventó para la intimidad del club de baile, escribiendo historias sobre hombres y mujeres inmersos en el baile, enfrentados a la traición y el deseo. Sin embargo, el estilo reggaetón de Puerto Rico sigue siendo más callejero y rápido.

Bolero

CUÁL ES LA HISTORIA: El estilo de balada latina conocido como bolero nació en Cuba a finales del siglo XIX. A principios del siglo XX, los boleros se convirtieron en una parte esencial de la emergente industria musical de México y despegaron durante la Edad de Oro del cine mexicano en la década de 1940. Los cantantes de boleros pasaron a formar parte de los argumentos y escenas de las películas. En los años 50, Nat "King" Cole y Eydie Gormé en los 60 ayudaron a popularizar el estilo en Estados Unidos.

CÓMO SUENA: Un bolero es una canción de amor, con letras que expresan pasión y melancolía, anhelo y desamor. Un cantante de boleros entrega el alma en cada verso y frase musical. Los boleros pueden interpretarse en una amplia variedad de escenarios: pequeñas o grandes bandas que acompañan a un cantante, un cantante-pianista y tríos de guitarras. Los boleros son el equivalente de los estándares americanos.

QUIÉN LO EMITE: Son innumerables los cantantes y compositores de boleros dignos de mención. Entre ellos Agustín Lara, Beny Moré, Olga Guillot, Agustín Lara, Tito Rodríguez, Toña La Negra, Armando Manzanero.

Ranchera

CUÁL ES LA HISTORIA: La canción ranchera mexicana tiene sus raíces en la llamada canción mexicana, un estilo lírico nacido en los años veinte en el centro del país. La canción ranchera surgió en un periodo de nacionalismo, tras la Revolución Mexicana, y recibió influencias de la canción italiana neopolitana. En los años 30, las rancheras empezaron a difundirse a través de la radio y las compañías discográficas empezaron a promocionar el género por todo el país y más allá de las fronteras de México. Mientras la canción ranchera surgía como uno de los estilos de canción populares de México, la Edad de Oro del cine mexicano se convirtió en la plataforma de lanzamiento para los cantantes de canción ranchera y el conjunto de mariachis que la acompañaba. Muchos de los cantantes de canción ranchera estudiaron ópera italiana y también eran actores. Fue la combinación perfecta para la industria cinematográfica mexicana, que se convirtió en el mayor proveedor de películas para el mundo hispanohablante, desde mediados de los años 30 hasta mediados de los 50.

CÓMO SUENA: Un cantante de rancheras puede desahogarse fácilmente en una canción de tres minutos. Mientras que los cantantes masculinos de rancheras proyectan imágenes viriles y machistas, las cantantes femeninas revelan las similitudes espirituales y melodramáticas que las rancheras tienen con el blues americano. Una ranchera puede interpretarse con una guitarra o acompañada por un conjunto completo de mariachis.

QUIÉN LA INTERPRETA: El compositor más significativo de rancheras es José Alfredo Jiménez, cuyas canciones han sido grabadas e interpretadas por todo tipo de grandes cantantes. Entre las principales voces rancheras se encuentran Pedro Infante, Jorge Negrete, Cuco Sánchez, Lola Beltrán, Amalia Mendoza, Chavela Vargas, Lila Downs y Eugenia León.

Música Norteña

CUÁL ES LA HISTORIA: La cuna de la música norteña es el estado de Nuevo León, en el norte de México. A principios del siglo XX, el acordeón se abrió camino desde el sur de Texas hasta los estados fronterizos de Tamaulipas y Nuevo León, y pronto se unió a la guitarra de 12 cuerdas llamada bajo sexto para convertirse en los dos instrumentos esenciales del sonido norteño. A finales de la década de 1940, el grupo Los Alegres de Terán empezó a popularizar un estilo de canto en armonía a dos voces acompañado de acordeón y bajo sexto. Su música influyó en varias generaciones de músicos del norte de México hasta la actualidad.

CÓMO SUENA: La música norteña incorpora ideas de varios géneros de todo México y el sur de Texas, incluyendo corridos, rancheras, huapangos y polkas. El contenido lírico varía según el género. Los corridos son historias de leyendas, héroes y criminales; las rancheras son canciones sobre la desesperación, la angustia y el abandono; los huapangos y las polkas son melodías festivas y alegres para bailar.

QUIÉN LO TOCA: Los mejores grupos de música norteña son Los Alegres de Terán, Los Donneños, Los Cadetes de Linares, Los Rancheritos de Topo Chico y el rey del acordeón Ramón Ayala, todos de Nuevo León. De Sinaloa destacan Los Tigres del Norte y Chalino Sánchez, el compositor más influyente del género "narcocorrido".

Roca en English

CUÁL ES LA HISTORIA: Una característica única del Rock en Español es que no hay un único punto de partida ni un lugar de origen consensuado. Ciudades latinoamericanas como Buenos Aires, Ciudad de México y Santiago acogieron a grupos de rock and roll en la década de 1960, que escribieron letras en español para reflejar sus propias realidades mientras intentaban producir su propio sonido.

En la década de 1980, una nueva generación de bandas encabezadas por Soda Stereo en Argentina, Los Prisioneros en Chile, Caifanes y Maldita Vecindad en México se convirtieron en la vanguardia de lo que se conoció como Rock en Español, ganándose todos ellos un seguimiento de culto en sus respectivos países. A medida que avanzaba la década de 1990, el nombre "Rock en Español" englobó a una constelación de bandas cuyo atractivo traspasó fronteras. Soda Stereo fue la primera banda en alcanzar una popularidad masiva en toda Latinoamérica. Esto abrió las puertas para que bandas argentinas, mexicanas, colombianas y chilenas realizaran giras de un mes con paradas en distintos países latinoamericanos. En conjunto, estas bandas fueron abrazadas por legiones de fans en todo el continente americano. A mediados de los noventa, el rock en español llegó a Estados Unidos y se hizo muy popular entre el público latino.

A QUÉ SUENA: Al hablar de los sonidos del Rock en Español, es necesario hacer una aclaración. Más que un género musical, el término identifica a artistas de América Latina (y España) que tienen la misión común de crear música en sus propios términos utilizando modismos y ritmos españoles de sus respectivos países. Una característica común de muchos grupos de Rock en Español son los mensajes de conciencia social incluidos en sus letras.

Los primeros álbumes de Soda Stereoestaban muy influidos por la new wave, mientras que sus últimos trabajos presentan un refinado power pop aderezado con exuberantes ritmos electrónicos. Los Prisioneros empezaron como un decidido trío punk cuyo sonido evolucionó hacia un apasionado synthpop. Caifanes encarnó el sonido y el aspecto del post-punk fusionándolo con la cumbia y otros ritmos mexicanos y latinos. Bandas como Maldita Vecindad y Los Fabulosos Cadillacs crean una potente mezcla de punk, ska, reggae y hip-hop, junto con géneros tradicionales latinos y mexicanos como el danzón, la salsa y el candombe, por citar algunos.

Por su parte, Café Tacvba ha ampliado continuamente un paladar sonoro que aúna innumerables géneros que van desde el punk a la electrónica, pasando por géneros mexicanos como el huapango, el bolero, la ranchera y un sinfín de elementos de las tradiciones musicales mexicana y latinoamericana.

QUIÉN LO PONE: Basándose en los artistas de rock nacional de los años setenta, Soda Stereo se convirtió en la banda revelación de la Argentina de los ochenta. En 1990, lanzaron su álbum Canción Animal, que incluía "De música ligera". Esta canción se convirtió en un himno del Rock en Español, consolidando el estatus de Soda Stereo como la banda más importante de Latinoamérica. Tras la disolución de Soda Stereo en 1997, su líder, Gustavo Cerati, publicó Bocanada en 1999. Este álbum y Canción Animal figuran sistemáticamente entre los mejores discos de Rock en Español de todos los tiempos.

Los mexicanos Café Tacvba han llevado el género al reconocimiento mundial. Juntos desde 1989, Café Tacvba ha grabado ocho álbumes. En cada disco han reinventado su sonido y han ganado nuevas generaciones y legiones de fans en todo el mundo. Su álbum Re, de 1994, figura a menudo entre los mejores del género. En sus tres décadas de carrera, Café Tacvba ha realizado giras por todo el mundo y podría decirse que es el grupo de Rock en Español más popular del mundo.

Mientras que el término "Rock en Español" evoca a los grupos que surgieron en la década de 1990, el término se transformó en Alternativa Latina en la década de 2000, definiendo a toda una nueva generación de artistas. Tanto si les llamamos "Rock en Español" como "Alternativa Latina", la nueva generación de artistas sigue teniendo un marcado ethos o vibración de "Rock en Español". Este es el caso del chileno lun. Laferte, un talentoso artista multimedia. lun. Su álbum lun. Laferte Vol.1 la catapultó al estatus de estrella del rock y le valió elogios de la crítica. lun. Laferte lleva la antorcha del Rock en Español al tiempo que encarna en su música un mensaje feminista comprometido que aporta una presencia y un reconocimiento atrasados a la contribución de las mujeres al Rock en Español.