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De un vistazo

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Compuesto: 1936

Duración: 55 minutos

Orquestación: 3 flautas (3ª y 2ª = piccolo 1 y 2), 3 oboes (3ª = corno inglés), 3 clarinetes (3ª = clarinete bajo y clarinete mi bemol), 2 fagotes, contrafagot, 4 trompas, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, percusión (platillos antiguos, bombo, castañuelas, carillones, carillón en Do, carillón en Fa, platillos, glockenspiel, carraca, caja, cencerro, platillos suspendidos, tam tam, pandereta, triángulo, xilófono), 2 pianos, celesta y cuerdas, con solistas soprano, tenor y barítono, coro y coro infantil

Primera actuación de la Filarmónica de Los Ángeles: 24 de noviembre de 1954, Alfred Wallenstein dirigiendo

Sobre esta pieza

Carl Orff tenía más en común con las tendencias conservadoras de la cultura alemana que con la iconoclasia de los años de Weimar. En lugar de ir a por una revolución musical total, Orff estudió formas y estilos musicales anteriores y los utilizó para crear su propio lenguaje compositivo. Desde el principio, el compositor se interesó por el pasado musical. Mientras Bartók orquestaba El Mandarín Milagroso, Orff arreglaba partituras del compositor italiano del siglo XVII Claudio Monteverdi - la ópera Orfeo, el Lamento d'Ariana, y el Ballo dell'ingrate. Orff también sirvió como director de la Sociedad de Bach de Munich para la temporada 1932/33. Sus realizaciones escénicas de la Auferstehungshistoria (Historia de la Resurrección) del compositor barroco alemán Heinrich Schütz y la Pasión de San Lucas de J.S. Bach (una obra ahora conocida por ser espuria, pero que en su momento fue pensada por Bach), esta última acompañada de proyecciones de diapositivas de xilografías tirolesas del siglo XV, fueron reconocidas como pioneras por los contemporáneos.

Este regreso al pasado era común en el pensamiento conservador de la época en Alemania. Los movimientos que celebran el cuerpo y la naturaleza - dos temas en el poema establecido por Orff - aumentaron su popularidad durante las primeras décadas del siglo XX, con el ejercicio y el aire libre ofrecidos como alternativas a la decadencia cultural y la miseria urbana. Grupos como el Wander-vogel (un movimiento juvenil alemán) cantaban las alabanzas de la vida limpia. (La propaganda nazi llevó esto a nuevos extremos - un ejemplo bien conocido es la película de Leni Riefenstahl de las Olimpiadas de Verano de Berlín de 1936, Olimpiada). Los alemanes peregrinaron a lugares de grandeza cultural y política del pasado como el Castillo de Wartburg y el Kaiserpfalz de Goslar, y los intelectuales conservadores anhelaban el pasado imperial de su nación. Fue en este contexto en el que Orff encontró la inspiración para su Carmina Burana.

El compositor recordó su descubrimiento en una serie de documentaciones autobiográficas publicadas a finales de los años 70. "La fortuna me sonrió cuando puso en mis manos un catálogo de una librería de segunda mano de Würzburg, en el que encontré un título que me atrajo con fuerza mágica: Carmina Burana: Poemas en latín y alemán de un manuscrito del siglo XIII de Benediktbeuern." (Benediktbeuern es un monasterio de Baviera, y el título Carmina Burana es simplemente una versión en latín de "Canciones de Beuern".)

Los textos son de los habituales sospechosos medievales. Los eruditos creen que los poemas vinieron de Inglaterra, Francia, España, Italia y Europa Central - el hecho de que tantos estuvieran en latín les dio una gran aceptación en esa época. Algunos de los poemas nombran a autores como Hugh de Orleans, Philippe Abelard (que fue Rector de la Universidad de París), y el Archipiélago de Colonia (que escribió "Estuans interius", el monólogo del erudito errante que abre "In Taberna"). Los otros autores anónimos fueron probablemente estudiantes, profesores, monjes, clérigos, eruditos errantes y similares.

Orff continúa, describiendo el efecto instantáneo que la colección tuvo en él: "Obtuve el libro sobre el Jueves Santo de 1934, un día memorable para mí. Justo cuando lo abrí, en la primera página, encontré la largamente famosa ilustración de "La Fortuna con la Rueda", y debajo de ella las líneas: "O Fortuna velut Luna statu variabilis...

"La imagen y las palabras se apoderaron de mí. Aunque al principio sólo conocía las líneas generales del contenido de la colección de poesía, una nueva obra, una obra de teatro con coros para cantar y bailar, simplemente siguiendo las imágenes y el texto, cobró vida inmediatamente en mi mente. Ese mismo día había dibujado el primer coro, "O Fortuna", en una partitura corta. Después de una noche de insomnio durante la cual casi me perdí en la voluminosa colección de poesía, un segundo coro, 'Fortune plango vulnera,' fue terminado, y en la mañana de Pascua, un tercero, 'Ecce gratum,' fue puesto en el papel."

Así que en sólo cuatro días después de descubrir la colección de poesía, Orff ya había compuesto tres números de la partitura, incluyendo el monumental coro de apertura, tal vez su más inspirado - y sin duda su más famoso - tramo de la música de todos los tiempos. El coro introduce el carácter general de Carmina Burana, incluyendo su tonalidad directa, su confianza en el ritmo y el ostinato en lugar de un desarrollo musical elaborado para dar a la obra un sentido de avance, y su riqueza melódica.

La obra que sigue está dividida en tres partes: "Primo Vere" (Primavera), "In Taberna" (En la Taberna) y "Cour d'Amours" (La Corte de Amor). La primavera comienza con un frío invernal que persiste en la orquesta al principio de "Veris leta facies", y la melodía ascendente del coro da al número un aire de anticipación. La escena "Uf dem anger" (En la pradera) comienza con una enérgica danza cuya variedad rítmica (cambios rápidos de triple a doble metro) Orff tomó prestada de sus estudios de música folclórica medieval bávara. En "Swaz hie gat umbe", jóvenes mujeres y hombres se reúnen en un círculo para un juguetón juego de seducción que se desarrolla con la lánguida música de la sección central del número, "Chume, chum, geselle min".

"En la Taberna" comienza con el número mencionado para el erudito errante, en el que Orff nos presenta a la clientela de la taberna medieval. Los números sucesivos presentan una escena descriptiva para el tenor solista y los hombres del coro en la que un cisne se lamenta de que está siendo asado, un solo de un abad que vive para beber y jugar, y el virtuoso coro de cierre en el que todos los demás en la taberna secundan el amor del abad por la bebida y el juego.

En la última de las tres secciones, Orff rinde homenaje al mundo medieval del amor cortesano. En términos de la estructura general de la obra, la primera mitad de la sección funciona como el movimiento lento de una sinfonía. Comenzando con el coro "Veni, veni, venias" - que provocó la ira de la crítica por el Volkischer Beobachter, un portavoz nazi, por su "atmósfera de jazz" - la obra recoge el impulso hasta los momentos finales, un glorioso coro que alaba a los amantes Blanziflor y Helena y el regreso a la invocación inicial a la diosa Fortuna. Ella gobernó el mundo en la Edad Media, cuando la ciencia aún no había empezado a explicar las misteriosas fuerzas que regían la vida de las personas, y, de hecho, hizo una breve reaparición en Alemania entre las guerras, durante "los años engañosos", cuando jugadores que sólo más tarde mostraron sus verdaderos colores se disputaban el control de una nación volátil.

-JohnMangum es doctor en historia por la UCLA. Pasó el verano como becario en la Universidad de Erfurt (Alemania).