Ese espíritu de mezcla comenzó con Nai, que creció en la casa de su madre, Suzie Ashman, en Melbourne, vibrando con los sonidos de la Motown y el flamenco, la música africana y el hip-hop. Cuando su madre murió de cáncer de mama, Nai, de 11 años, se fue a vivir con una familia de acogida en lo alto de los Alpes australianos. Cuando la adolescente Nai encontró el camino de vuelta a Melbourne, había adquirido tres cosas: una conexión permanente y espiritual con la tierra; un asombroso dominio autodidacta de dos instrumentos: la guitarra y su propia voz; y la capacidad de escribir canciones tan complejas como sus influencias. Eso fue lo que llamó la atención de Paul Bender, un multiinstrumentista de Tasmania que había estudiado música en la Universidad de Miami, que vio a Nai tocando en un bar y se ofreció a formar una banda para ella.

Pasó un año antes de que Bender y Nai empezaran a trabajar juntos, en 2011. Al principio, invitaron a otros dos músicos a tocar con ellos: el baterista Perrin Moss, autodidacta como Nai, y el teclista Simon Mavin, que, al igual que Bender, es un profesional con formación universitaria y amplios conocimientos. La química dio lugar inmediatamente a una sólida unidad. Los cuatro empezaron a grabar su primer álbum en la "casa compartida" de Mavin y Moss en Clarke Street, en el suburbio de Northcote, en Melbourne, y Hiatus Kaiyote no tardó en ganar adeptos en la escena local. Una actuación como teloneros de Taylor McFerrin hizo que el cabeza de cartel se convirtiera en un fan instantáneo, y el artista estadounidense difundió el evangelio de Hiatus entre los amantes del buen gusto de todo el mundo, lo que desencadenó la serie de acontecimientos que darían lugar a sus dos primeros lanzamientos de larga duración, que los transformaron de una banda local a un acto de gira mundial.

Tras cuatro años de grabaciones y giras -desde Glastonbury, en Inglaterra, hasta el Fuji Rock, en Japón, pasando por el Roots Picnic y agotando las entradas de la Ópera de Sídney- la banda se tomó un descanso. En 2017, Nai Palm lanzó un sublime y conmovedor LP en solitario de guitarra y voz llamado Needle Paw, mientras sus compañeros de banda elaboraban sus propios proyectos: The Sweet Enoughs, de Bender, inspirado en Pet Sounds; Clever Austin, el diario de viaje de Perrin sobre su autoaprendizaje multiinstrumental; la colaboración de Simon con el grupo de soul australiano The Putbacks; y el trío instrumental de los chicos, Swooping.

En octubre de 2018, la grabación de Mood Valiant ya estaba en marcha, y las pistas de acompañamiento estaban en gran parte preparadas, listas para las voces de Nai. Entonces, durante una breve gira por Estados Unidos, a la líder de Hiatus le diagnosticaron cáncer de mama. La muerte de su madre a causa de la misma enfermedad nunca estuvo lejos de su mente: "Fui muy consciente de mi mortalidad". Nai se apresuró a volver a Australia y al hospital, donde se sometió a una mastectomía que le salvó la vida. Bender estaba allí cuando Nai fue llevada en silla de ruedas a su habitación después de la operación. "Volvió como una campeona", dice. "Nunca he visto a nadie pasar por algo así y estar tan triunfante, vibrante, presente, agradecida. Estaba viva. Eso replantea las cosas en las que debes poner tu energía: Estemos todos vivos".

A medida que Nai se recuperaba, el grupo volvía a su trabajo con perspectivas alteradas. Sus letras, incluso las escritas antes de su enfermedad, adquirieron una calidad clarividente. Luego, un viaje a Río de Janeiro a finales de 2019 para trabajar con el legendario arreglista brasileño Arthur Verocai cambió el ambiente de todo el álbum. "Habíamos grabado la canción 'Get dom.,' y ya sonaba bien", dice Bender. "No teníamos ni idea de lo que había escrito para ella". Cuando Verocai puso en marcha sus secciones de vientos y cuerdas, fue una liberación para todos. "Se me saltaron las lágrimas", recuerda Bender.

"Verocai es un hombre encantador", dice Perrin. "El ingeniero no dejaba de sonreír, el montaje era precioso, así que cuando Arthur terminó, le preguntamos si podíamos usar el estudio durante el resto de la noche". La sesión, que duró toda la noche, aportó dos nuevas canciones al álbum. Nai y Simon grabaron una balada épica, "Stone or Lavender", mientras que Bender y Perrin grabaron un ritmo de bajo y batería que la banda convirtió en la canción "Red Room" en un acto de composición espontánea.

El resultado es un álbum que, con las cuerdas de Verocai, se relaja en un ritmo: soleado, seductor, magistral. Detrás de todo ello está el conocido sentido de la aventura musical de Hiatus, su habilidad para hacer que lo complejo suene sencillo: El experimento de Simon con un ritmo extraño en grupos de 5 se convierte en una jam en cascada llamada "Rose Water". El intercambio de notas simples de Bender y Simon, de un lado a otro, para hacer una melodía se convierte en "All the Words We Don't Say". La descarada visión de Nai sobre los éxitos pop de tres minutos obsesionados con el sexo se convierte en "Chivalry Is Not Dead", una canción sobre los extraños rituales de apareamiento de las babosas leopardo (se vuelven fluorescentes) y los caballitos de mar (cierran las colas y bailan).

"En este enfoque misterioso y democrático de hacer música, nunca sabes lo que va a pasar", dice Simon. "Sparkle Tape Break Up" comenzó con la idea de Simon de una loca tarta de capas de sonidos de sintetizador; aunque Nai escribió las letras, éstas resonaron profundamente con Bender, que las defendió cuando llegó el momento de decidir qué canciones formaban parte de la formación. El álbum termina con la delicada "Blood and Marrow", una línea de bajo de Bender sobre la que Nai y Perrin improvisaron, que Simon considera su favorita: "Es una canción clásica de estudio de Hiatus que tiene una hermosa exploración y misterio". Para Nai, la ligereza de la canción era un complemento para su dolor: "Esto fue después de la cirugía. Perdí el pecho. Cuatro meses después, perdí a mi loro, Charlie, que era como mi hijo-pájaro. La pérdida de Charlie me dolió más que la pérdida de mi teta. Antes de que muriera, veíamos juntos todas las películas de Disney, así que esa es la razón por la que la canción tiene esta especie de paleta sónica de Disney".

La ironía de la finalización de Mood Valiant fue que coincidió con otra crisis sanitaria, la pandemia de COVID-19. En la Gran Pausa, la banda encontró más tiempo para retocar, y más tiempo para crear. Los altibajos, los arranques y las paradas del proceso, informan el propio nombre del álbum, para el que Nai evocó, de nuevo, el espíritu de Suzie Ashman: "Mi madre tenía dos rancheras Valiant, coches australianos icónicos y antiguos", dice Nai. "Uno era blanco y otro negro. Y, dependiendo de su estado de ánimo, conducía uno u otro. Era una madre soltera con seis hijos: Si conducía el negro, sabías que no debías meterte con ella".

"El título del álbum resume realmente todo el espectro del viaje", añade Bender. "Todo el mundo ha pasado por grandes retos. Siento que hemos atravesado el barro para conseguirlo. Y hay una sensación de valentía y victoria, al salir de la tormenta y entrar en aguas tranquilas. El dom. brilla, vemos la orilla. Lo hemos conseguido. Me siento orgulloso de cómo suena, de su profundidad emocional. Y espero que traiga a la gente algún tipo de consuelo en estos duros momentos".

Para Bender, el acto de hacer el álbum también le trajo consuelo y claridad sobre la naturaleza de la amistad: "Al final del día, ¿quién estaba ahí para mí? La banda. Son mis amigos".

"Cuando piensas que te van a quitar la vida, te hace reflexionar sobre quién eres", dice Nai. "Supongo que tras el susto del cáncer de mama, decidí que tenía que demostrar a la vida que la oferta que tengo es genuina. Mi único deseo es vivir y ofrecer mi experiencia del tiempo y la belleza".

Mood Valiantes un acto de amor, de coraje, de cambio de perspectiva, de hermandad.