Los siguientes años los pasaron de gira, trabajando en su música y perfeccionando su sonido. En 2019 lanzaron su primer EP de forma independiente, vendiendo más de 20 000 copias en vinilo, antes de que la pandemia frenara su impulso. En 2022, tras una gran expectación y con la ayuda del productor Miles James (Little Simz, Yussef Dayes, Tom Misch), lanzaron su álbum debut, «Could We Be More». Una mezcla vigorosa de afrobeat, highlife y jazz, el álbum recibió elogios de The Guardian, The Telegraph, Financial Times, CRACK Magazine y muchos otros. El álbum también alcanzó el puesto 30 en la lista de álbumes del Reino Unido, situándose entre los 40 más vendidos.

El éxito obtenido se tradujo en un gran número de giras y festivales por Europa, Australia y Canadá. Ahora, tras una década de existencia, el conjunto, formado también por Anoushka Nanguy (voz/trombón), Ayo Salawu (batería), Duane Atherley (bajo), Tobi Adenaike-Johnson (guitarra) y Yohan Kebede (teclados), se encuentra en un punto en el que ha contribuido a corregir el rumbo necesario para revitalizar los escenarios que se proponía. Y, como tal, se siente preparado para ampliar sus horizontes sonoros.

El primer gran salto artístico más allá de los límites de ser una «banda de jazz londinense» llegó con «Could We Be More Remixes». Con colaboraciones de KeiyaA, Ash Lauryn, Stefan Ringer, Vanyfox y Hagan, las canciones originales se reinventaron desde una perspectiva club. Esto permitió que la música de la banda cruzara por primera vez al mundo del afro-house, el amapiano, el Detroit house, el future bounce y el techno.

El arte de Kokoroko ha madurado hasta alcanzar un punto en el que ahora representa en gran medida el punto de fusión musical y la amplia gama de gustos que caracteriza a los londinenses de la diáspora negra. Es precisamente esta noción y la sensación de Londres como un ancla global lo que conforma el núcleo de su próximo segundo álbum de estudio, «Tuff Times Never Last».

Con fecha de lanzamiento prevista para jul a través de Brownswood Recordings, «Tuff Times Never Last» es una obra que da cabida a las numerosas dualidades que se producen en la vida. Un testimonio de la resiliencia, la alegría y la conservación de la inocencia infantil frente a circunstancias adversas. «Aunque reflexionamos sobre la alegría y la celebración, te das cuenta de que gran parte de esa belleza surge de los retos y las dificultades. Incluso en el recuerdo, los momentos difíciles tienden a endulzarse», dice Edgeworth sobre la historia detrás del título del álbum.

Las imágenes y los colores que aparecen en la portada del álbum evocan sentimientos de calidez, inocencia y nostalgia: la mayoría de edad en Londres y esas raras noches de verano en las que todo parecía lleno de esperanza. La pintura es obra de Luci Pina, la aclamada ilustradora cuyo trabajo ha sido solicitado y encargado por The Cut, Soho House, DICE, Apple Music e It's Nice That, entre otros. Hablando sobre su diseño, el co-líder de la banda, Maurice-Grey, dijo: «El encargo era el verano en Londres, la familia y la sensación de que todo el mundo formaba parte de un público congregado, y nosotros éramos los músicos».

El paisaje urbano rinde homenaje a la película de Spike Lee de 1994 «Crooklyn» y también a películas como la obra maestra de Rick Famuyiwa de 1999 «The Wood», «Love and Basketball» y «Poetic Justice». La banda vio estas películas como representaciones conmovedoras de la familia negra, la comunidad y la resiliencia, que sirvieron como bálsamo para ellos como londinenses. Hablando más sobre esto, el co-líder de la banda, Onome Edgeworth, dijo: «Crooklyn es muy emotiva, pero también muy inspiradora. Me hizo sentir como si hubiera crecido allí. No siempre tuvimos esas historias en el Reino Unido. Incluso hoy en día, si quiero sentirme bien, es a lo que recurro».

En la historia que hay detrás de la obra se esconde un comentario suave pero incisivo sobre las narrativas, a menudo malinterpretadas, relacionadas con la experiencia vivida por las comunidades negras en el Reino Unido. «Fui al colegio en Brixton y nunca me pareció peligroso», reflexiona Maurice-Grey. Edgeworth añade: «Para nosotros, crecer en una urbanización durante el verano era lo más maravilloso del mundo. Un hogar africano con diez primos haciendo barbacoas y música a todo volumen en todos los coches y casas».

Con el objetivo de transmitir un aire de triunfo, victoria y celebración en su musicalidad, el nuevo disco muestra a la banda londinense ampliando con descuido su amplia paleta e influencias. A lo largo de las 11 canciones del álbum, Kokoroko se aventura en el brit-funk de los 80, el neo-soul, el disco de África Occidental, la bossa nova, el lovers rock y el funk. En poco más de 40 minutos, irradia una representación universal de los sonidos de la música negra diaspórica desde décadas pasadas hasta la actualidad. Mostrando sus conexiones implícitas y explícitas, especialmente en el ámbito de la música creada para la pista de baile.«Para nosotros, toda la música electrónica es negra. Ya sea aquí en el Reino Unido, Chicago, Jamaica o África Occidental».

Gran parte del álbum muestra al conjunto adoptando un tono más alegre y festivo.«Hacemos tantas giras que queremos que sea divertido. Cuando todas tus canciones son tan serias e intensas, a veces te pierdes la oportunidad de disfrutar», explica Edgeworth sobre su decisión de dar un giro hacia un estilo más alegre y divertido. Nos preguntamos: "¿Cómo queremos que sean los próximos años?". Y compusimos música con la intención de que tuviera color y un toque lúdico», explica Edgeworth sobre su decisión de adentrarse en un territorio más animado.

Durante los dos años que duró el proceso de grabación y gestación del álbum, la banda desarrolló una gran afinidad por los equipos de estudio vintage, las cajas de ritmos MPC y los sonidos de sintetizador psicodélicos. Para Maurice-Grey, fue precisamente la experimentación con este tipo de equipos lo que impulsó este cambio.

El trabajo del músico nigeriano de disco y electro-funk William Onyeabour, así como el de artistas como Steve Monite y Ofori Amponsah, servirían como una importante guía para el diseño sonoro del álbum, inspirando en gran medida el primer sencillo del nuevo disco, «Sweetie». En homenaje al vínculo juguetón entre los amantes, la canción es una melodía con sonidos de trompa y un toque excéntrico que rinde tributo al disco y al boogie de África Occidental.

«Sweetie» forma parte de una tríada de temas del nuevo disco que tiende un puente entre el pasado y el futuro de la banda. La sexta canción del álbum, «Three Piece Suit», con la participación del experto en R&B alternativo «Three Piece Suit», se publicó por primera vez en el EP de 2024 de la banda, «Get The Message», mientras que la canción inicial, «Never Lost», se estrenó en directo en su concierto de 2023 en el Meltdown Festival, comisariado por Christine & The Queens. Estas canciones ofrecen a su público principal los rasgos «clásicos» del sonido de Kokoroko, pero de una forma que resulta progresiva y elevada.

El resto del proyecto muestra al septeto inspirándose en una paleta diversa de referencias. Sonoramente, toman prestado de artistas como Loose Ends, Don Blackman, Common, Sly & Robbie, Patrice Rushen y Cymande. Sobre la progresión y evolución de la banda, Maurice-Grey dijo: «Por naturaleza, somos músicos de jazz, pero hemos intentado no encasillarnos en un solo sonido. Es música que sin duda te hace bailar y es más atrevida que cualquier cosa que hayamos hecho antes».

Su experimentación en algunas partes se inclina hacia el terreno sonoro vanguardista y psicodélico en la pista final «Over / Reprise», pero sobre todo en «We Are». Un ritmo de bossa nova con influencias funk que, en un primer momento, recuerda el sonido pop sofisticado y lujoso de Sade e Incognito, antes de evolucionar hacia un paisaje alucinante, distorsionado y casi electrónico.

Se hace especial hincapié en la creación de temas con estribillos potentes y pegadizos, y en canciones que sigan una estructura más estándar y formalizada.«Ahora nos interesa más la composición de canciones, algo que no siempre ha sido así. Antes, lo importante era crear una sensación de energía. Ha sido agradable componer canciones que funcionan por sí mismas, en lugar de tener que depender de nuestra musicalidad», afirma Edgeworth.

Un momento destacable del álbum es «My Father», con voces delicadamente arregladas al estilo de los grupos vocales de R&B de los años 90. Despojada y casi a capela, la canción ocupa un lugar como uno de los pocos momentos de quietud e introspección del proyecto. «Al igual que «Never Lost», esta canción trata sobre la fe entre una persona y su padre celestial. Pero también podría interpretarse como el amor paternal o familiar», señala Maurice-Grey.

Un ambiente palpable de romanticismo, anhelo y sensualidad impregna gran parte de las canciones del álbum, lo que demuestra su lealtad hacia los amantes. «Especialmente como músicos, puedes sentir que no quieres escribir sobre el amor porque todo el mundo escribe sobre el amor», comenta Maurice-Grey. La decisión de inclinarse más hacia un espacio vulnerable dio como resultado dos de los momentos más destacados del proyecto: la sensual «Time and Time», con Demae, y el segundo sencillo del disco, «Closer To Me». «Closer To Me» recuerda en esencia a la legendaria era Soulquarians.«Esa canción es un disco de hip-hop en su esencia. No tiene rap, pero la batería, el sampling y el sentimiento son muy hip-hop. Es como los viejos discos de Common», señala Edgeworth.

El crecimiento del colectivo como compositores brilla con mayor énfasis y exuberancia en «Da Duh Dah» y «Top Gun». Joyas del álbum que recuerdan a bandas de soul británicas como Loose Ends y 52nd Street. Incondicionales y artífices de la música negra británica contemporánea tal y como la conocemos, que con el tiempo han quedado ocultos y perdidos en la historia. Para Maurice-Grey, cuya impresionante voz contralto lidera los coros en ambas canciones, hacer referencia a estos grupos era simplemente equivalente a lo que siempre ha sido la misión de Kokoroko.«Aunque empezamos tocando mucho afrobeat y highlife, nuestra esencia siempre ha sido rendir homenaje a quienes nos precedieron».

Más que una simple ampliación del creciente catálogo de la banda, «Tuff Times Never Last» es la culminación de Kokoroko en su mejor momento. Como ocurre con muchos colectivos de jazz, los miembros han ido entrando y saliendo del grupo, y antiguos alumnos como Oscar Jerome, Cassie Kinoshi, Mansur Brown y Yussef Dayes han alcanzado grandes éxitos por méritos propios. «Todo ha formado parte del proceso de crecimiento. Todos ellos han aportado mucho al viaje. Y creo que sin ellos no estaríamos donde estamos ahora», afirma Maurice-Grey. Son estas experiencias las que han fortalecido el vínculo y el sentido de camaradería entre los miembros actuales del grupo. «Hemos pasado más tiempo con estos chicos que con cualquier otra persona. Hemos aprendido a dar mucho espacio a la creatividad, las peculiaridades y las personalidades de cada uno», dice Edgeworth.

Por primera vez en su carrera, Kokoroko tiene su propio estudio. Este nuevo espacio se ha convertido en un santuario para la innovación y la espontaneidad. Les permite destilar su creatividad como grupo y perfeccionar un sonido único y cohesionado. Mientras Kokoroko se prepara para compartir «Tuff Times Never Last» con el mundo, se encuentra en un momento decisivo y vibrante de su carrera. Con sus raíces firmemente arraigadas en el pasado y una visión brillante hacia los sueños del mañana, Kokoroko nos invita a acompañarlos en este nuevo capítulo. «Estamos en una posición privilegiada en la que podemos empezar a compartir música como nosotros mismos», dice Edgeworth. Haciéndose eco de este sentimiento, Maurice-Grey afirma:«Estamos empezando a sentir un cierto nivel de libertad. Si queremos hacer XYZ, puede que no lo hagamos de forma espectacular, pero sentimos la libertad de explorar eso».

Escrito por Sope Soetan